QUANDO LEI E' UN PO' NERVOSA

TECNICA MISTA, PANNELLO IN LEGNO, 2021

QUANDO LEI E' UN PO' NERVOSA
E' uno dei lavori più emblematici del Maestro Claudio Stieven, poiché incarna perfettamente la sua capacità di trasformare un'emozione quotidiana e psicologica in una visione plastica e cromatica.
In questo dipinto, egli abbandona la rappresentazione didascalica per concentrarsi sulla trasfigurazione dello stato d'animo.
L'analisi critica mette in luce alcuni punti fondamentali:
- il nervosismo non è reso con la confusione, ma attraverso contrasti cromatici studiati che evocano tensione interiore. La scelta dei toni serve a "plasmare" l'emozione, rendendo visibile l'invisibile.
- come spesso accade nelle sue opere, il dettaglio diventa la "chiave di volta".
- la figura femminile evocata viene frammentata o accentuata in alcuni tratti per riflettere l'irrequietezza.
- nonostante il titolo suggerisca un momento di conflitto o tensione, l'opera mantiene quella qualità che l'artista definisce "un'oasi nel deserto", un punto di riflessione dove l'osservatore può fermarsi e "penetrare nel cuore" di quel sentimento complesso.
I lavori di Stieven sottolineano spesso come i suoi titoli non siano semplici descrizioni, ma input emotivi. Infatti nel dipinto l'artista riesce a stabilire un'empatia immediata con il pubblico, poiché tratta un tema universale con una sensibilità che va oltre la superficie pittorica. L'opera è valutata non solo per la perizia tecnica, ma per la sua forza introspettiva,perché si distacca dai temi storici o celebrativi (come quelli dedicati a Salk o agli Shardana) per tuffarsi in una dimensione squisitamente psicologica e domestica.
In questo lavoro il maestro utilizza il suo stile caratteristico per "dar forma" a un'emozione intangibile:
il nervosismo del soggetto viene tradotto in una pennellata che sembra quasi elettrica, capace di trasmettere l'irrequietezza del momento.
C'è una sottile vena di osservazione quotidiana che rende l'opera molto umana e vicina all'osservatore, trasformando un fastidio passeggero in un'occasione di studio estetico.
È proprio questa capacità di Stieven di passare dal monumentale al quotidiano che lo rende un artista poliedrico.
L'analisi dell'opera svela il cuore del processo creativo di Claudio Stieven e spiega perfettamente perché la sua pittura venga definita "plastica". L'uso di una mistura su un supporto rigido non è solo una scelta estetica, ma quasi architettonica.
Questa "pastura" trasforma la superficie del quadro in un basso rilievo che reagisce fisicamente alla luce.
La tecnica usata ha permesso di creare una miriade di punte acuminate. Visivamente, questo effetto materico traduce il "nervosismo" del titolo in una sensazione tattile di fastidio o di tensione: le punte sono l'equivalente visivo di una pelle d'oca o di una scarica elettrica.
Il contrasto cromatico con il verdino acqua/giallino delle punte dà un senso di acidità e di vibrazione luminosa.
Il marrone terra bruciata negli interstizi tra le "acide piastrelline" funge da collante visivo, ma crea anche una profondità d'ombra che fa risaltare la brillantezza delle punte.
La costruzione a quadrangoli suggerisce un tentativo di ordine che viene però "aggredito" dalla texture appuntita. È come se il nervosismo cercasse di rompere la gabbia geometrica del pannello.
Questa combinazione di materiali poveri e strumenti d'uso e' tipica di chi vuole che l'opera sia corpo vivo e non solo immagine, un nervosismo autentico, viscerale, che non si limita a essere guardato ma che "punge" lo sguardo.
L'intuizione di utilizzare punte acuminate è magistrale. Descrive quel tipo di irrequietezza che ti rende intrattabile, irrequieto, irascibile. La scelta del verdino acido accentua quella sensazione di fastidio quasi biliare, tipica di chi ha i nervi a fior di pelle, mentre il marrone terra bruciata profondo dà l'idea di qualcosa che sta "bruciando" dentro, sotto la superficie. È un'opera che smette di essere decorativa per diventare esperienza sensoriale : guardandola, si percepisce quasi fisicamente quel senso di "orticaria" emotiva che il titolo suggerisce.
È la dimostrazione che per Stieven l'arte deve "penetrare nel cuore" quasi nella pelle di chi osserva : e' una vera e propria deflagrazione emotiva.
Se l'opera fosse stata liscia, sarebbe rimasta nel campo della riflessione psicologica; invece, quella distesa di punte acuminate, che emergono dalla pastura, trasforma il nervosismo in una reazione d'urto.
L'aspetto più potente di questa analisi è il contrasto tra la forma e la sostanza, dove la griglia dei quadratini rappresenta il tentativo di controllo, la "forma" esteriore, la routine quotidiana che viene frantumata, mentre le punte sono l'energia che scoppia verso l'esterno.
È una "reazione a catena" fatta di piccoli aghi che negano qualsiasi possibilità di carezza o di calma.
Il fatto che queste punte siano di un verdino acqua chiarissimo/giallino rende l'immagine ancora più "viva" e pungente, quasi come una scarica elettrica che attraversa il marrone terra bruciata dello sfondo. È il momento esatto in cui la pazienza finisce e il nervosismo diventa azione fisica, un segnale di stop invalicabile per chiunque si trovi davanti.
L'opera diventa quasi un manufatto difensivo, il pannello rigido non è più solo un supporto ma, lo scudo su cui si è cristallizzata questa tempesta interiore. La materia diventa veicolo di energia che deve "uscire" dal supporto, come una reazione esplosiva e pungente, un' aggressività materica che si ritrova spesso come filo conduttore della sua ricerca pittorica : la superficie diventa un campo di battaglia dove si manifestano diverse intensità di reazione.
Questa manifestazione costante della materia rende la sua arte tattile.
Stieven sembra dirci che i sentimenti e la storia non sono lisci o eterei, ma hanno spigoli, durezze e asperità che dobbiamo per forza percepire se vogliamo capirli davvero.

Informazioni generali